In einem historisch vollständig ausdefinierten Genre wie Electronica noch einen Meilenstein zu setzen, ist nicht einfach. Doch das „gegen den Strom schwimmen” hat Chloé Thévenin in vielen Jahren als DJ und Producerin praktisch verinnerlicht. Wenn es also jemandem gelingen könnte, dann ihr. Nach zahllosen EPs und nicht wenigen Soundtracks auf Albumlänge ist Shape of the Unknown (Lumière Noire, 30. Oktober) tatsächlich der lang erwartete große Wurf der Pariser Produzentin: Einfach mal alles was, zwischen Techno, Electronica und Ambient gerade gut ist und organisch zusammen gehört, in konsequent elegante Form bringen. Das kann auf geraden, halbgeraden, oder gänzlichen ohne Beats passieren. Es dürfen Stimmen dazu kommen. Die Geschwindigkeit variiert von gemütlich bis treibend, doch immer sanft mit dem genauen Maß für den Moment. Eben alles was gut kann und gut geht.
Die stilistische Schnittmenge von upsammy und Piezo ist klassische Electronica. Alles, was in den Neunzigern gut war und heute noch Bestand hat. Also nicht unbedingt Aphex-klonende IDM oder Drum’n’Bass mit den drei bis fünf bekannten Klischee-Breaks. Vielmehr eine Art Essenz aus dem damaligen Gefühl, etwas Futuristisches zu hören, ein Versprechen des Neuen und Anderen. So etwas in der heutigen Zeit zu machen, entwickelt eine Art positive Nostalgie, die Sehnsucht nach einer verlorenen Zukunft, die nie wirklich stattgefunden hat. Für den britischen Philosophen des „Weird and Eerie”, Mark Fisher, waren derartige Projekte durchaus progressive Unterfangen, die dem Status Quo kritisch entgegenwirken. Darin dann alte unheimliche Geister heraufbeschwörend, seltsam und fremd, unbehaglich, eine Eerie Enterprise, was der Projektname des niederländisch-italienischen Duos ebenfalls andeutet. Allerdings kommt ihr Debütalbum Places Remember Events (Dekmantel, 30. Oktober) dann doch gar nicht mal so furchterregend daher, eher sommerwiesenluftig bis schäfchenwolkenfluffig – und in topaktuellem Sounddesign sonnig strahlender Produktion.
Die kreative Konstellation von Sebastian Mullaert & Tamarma dürfte den meisten wohl auf der Pop Ambient 2025-Compilation zum ersten Mal begegnet sein. Die Kollaboration des schwedischen Minimal-Techno-Stars der zweiten Generation mit der georgischen Electronica-Produzentin und Sängerin läuft allerdings schon deutlich länger. Das Debütalbum Holds the Sky (Awesome Soundwave, 30. Oktober) war so gesehen längst überfällig. Und es sprengt locker den schon ziemlich weiten Rahmen des Erwartbaren. Vor allem in der Hinsicht von fließender Eleganz und emotionaler Schönheit. Wenn es eine paradoxe Definition von in sich ruhender Bewegung, von weit offener Geschlossenheit geben kann, dann in Stücken wie diesen. Die können freiflächig schweben oder einem mittelschnellen geraden Beat entlang gleiten, Dub-Effekte oder sogar Lo-Fi-Breakbeats mitnehmen – sie bleiben doch auf der selben, tendenziell entrückten wie unmittelbar körperlichen Seinsebene.
Der Berliner Stephanos Pantelas hat sich in seinen Produktionen als Elninodiablo nie auf ein spezifisches Genre oder einen speziellen Sound eingeschränkt. Selbst wenn die Tracks straighter Techno waren, hatten sie doch immer einen spezifischen Bezug zu den Ursprüngen elektronischer Tanzmusik im queeren Nachtleben. Nicht weniger wichtig waren Chill-Out- und Rave-Kultur jenseits der Abfahrt. Letzere hat sich zwar immer wieder innerhalb von einzelnen Stücken Bahn gebrochen, aber nicht konzeptuell und über eine ganze Albumlänge. So ist Dark Night of The Soul (elninodiablomusic, 11. November) durchaus ein spätes Debüt, ein ausschweifender Trip nach innen, zu den eher introvertierten Facetten der Persönlichkeit von Pantelas „Teufelskind”. Und sogar darin noch höchst beweglich, von balearischem Sundowner und kosmischem Downtempo zu Ambient und der Art von Electronica wie sie in den Neunzigern viel zu wenig gemacht wurde. Ein definitives Statement und genau das Elninodiablo-Album, auf das das Motherboard nun schon seit mittlerweile dreizehn Jahren wartet. Bonus-Kudos für das treffsichere Zitat des spätmittelalterlichen spanischen Mystikers und Dichters Johannes vom Kreuz im Albumtitel.
Das kraftprotzende Cover von Pechersk (Nisantashi Records, 2. Oktober) täuscht ein wenig. Statt in den Muskelkeller zu swaggern tänzelt das Albumdebüt des Ukrainers Neroba sanft in den Electro-Disco-Boogie der Achtziger. In der Schnittmenge von frühem Acid House und späten Aerobic-Soundtracks in einer elegant warmen wie trennscharf strahlenden Produktion bringen Nerobas Tracks Electronica in den Club. Oder vielleicht eher anders herum. Sie hängen die Discokugel über das heimische Sofa. Was zur Namensgebung passt, denn „Neroba” übersetzt sich als Slacker, Hänger, Schluffi. Was aber ebenfalls nur augenzwinkernd ironisch gemeint sein kann, denn rein gar nichts an dieser Produktion ist verkifft oder schlampig.
Die Gegenwart-Zukunft der avancierten elektronischen Beats liegt in Afrika. Die von Hyperpop und R’n’B erst recht. Zum Beispiel in Uganda bei Florence Lugemwa, der Sängerin und Trompeterin der Kampala Unit um Producer Jonathan „hhy” Saldanha. Letzterer hat auf dem Debütalbum von Lugemwa als FLO mitgeholfen und NAKATO (Hakuna Kulala, 16. Oktober) zum ziemlich definitiven Statement gemacht, was auf der experimentellen und beatlastigen Seite von Hyperpop geht. Underground-Clubmusik für etwas anderen Underground und etwas andere Arten von Club. Diese Tracks kennen Techno, Cumbia, Reggaeton, Gqom, Footwork und Juke inwendig, aber nicht weniger als den Katalog von PC Music auswendig. Die jüngsten Pop-Rap-Hypes auf TikTok genau so wie die abstrakt-komplexen Beats, die sich auf geistesverwandten, diaspora-asiatischen Labels wie SVBKLT, Chinabot oder Eternal Dragonz finden. Nur das NAKATO eben straighter Dance-Pop bleibt. Wann wird das endlich zum Mainstream?
Black Meteoric Star, jüngstes Alias von Gavilán Rayna Russom, wildert ebenfalls in vergangenen Dekaden – kinky und geschichtsbewusst, das Gegenteil von Retro. Das Albumdebüt Wet (Dark Entries/Ransom Note, 16. September) nimmt sich die eingekochten Essenzen von Chicago und New Jersey, Rimini und Bergamo, konzentriert Postpunk, Minimal Wave, House, Electro, EBM und Cosmic Disco zu einem dezidiert queeren Mix frei von jeder Nostalgie. „Wet” spielt jetzt, ist fundamental widerständiger, am und im Hals kratzender Sound abseits des Mainstream, den Populisten von heute trotzend. Minimalismus ist hier Mittel zum richtigen Zweck: Unmittelbarkeit und Aktualität sind garantiert.
Die mittlerweile zur Integrationsfigur und zum Superstar der internationalen Tanzszene avancierte Choreografin und Tänzerin Kianí del Valle hat vor kurzem im Groove-Interview bestätigt, dass kommerzielle Gigs wie die Choreografie für Bad Bunnys Superbowl-Auftritt oder die ähnlich hoch aufgehängte Kollaboration mit Techno-Act Solitary Dancer und Sportswear-Label Y-3 für sie auf einer ähnlichen Ebene laufen wie Cutting-Edge-Underground: „Ich mache im Grunde das Gleiche wie immer – nur auf einer größeren Bühne.” Dafür spricht die Kompromisslosigkeit mit der ihr Solotanzstück De Brujas y Fantasmas (Kuboraum Editions, 6. November), eine Zusammenarbeit mit Elektronik-Avantgardist:in Ziúr, auf Gefälligkeit verzichtet. Dass es gerade dadurch überzeugt, ist ebenfalls nicht unerwartet. Es sind intensive Klänge, strukturell komplex, dunkel und schwer pulsierend. Auf den Körper geschnitten, doch frei und unabhängig.
Wie wichtig Festivals für Experimentelles und Unformatiertes wie das inzwischen global expandierte polnische Unsound sind, versuchte ich hier zu vermitteln. Und um es zu wiederholen: Es liegt am persönlichen Treffen und Interagieren von Künstler:innen ganz verschiedener Richtungen, die etwas Gemeinsames finden können und im besten Falle Unerwartetes daraus machen. Wie claire rousay & Martyna Basta. Die haben sich schon 2023 bei einer „Sound Residency“ rousays in Krakau getroffen und offensichtliche Anknüpfpunkte gefunden. Es entstand eine musikalische Brieffreundschaft und aus der wiederum Hotel Room (Unsound, 25. September). Eine Kollaboration, welche die Stärken der beiden in lässiger Perfektion ausspielt. Den beider Superpower dürfte das dahingeworfen, locker skizzierte und doch wundersam-wunderbar Vollendete sein. Die Kraft des Flüchtigen, des Beinahe als Song oder Track. Cooler geht’s nicht. „Cool Girls Go To Heaven”, wie ein Songtitel heißt. Yes they do.
Die Gespenster des sehr späten Spätkapitalismus, sie finden sich an den magischen Nicht-Orten der Konsumkultur, Einkaufszentrum und Supermarkt, wo wundersame Begriffe wie Mindesthaltbarkeitsdatum über die Existenz oder Nicht-Existenz der Dinge bestimmen. Zu diesem hinteren Ende der wunderbar unheimlichen Warenwelt hat die in Kopenhagen lebende Schwedin Matilda Tjäder ein wunderbares Konzeptalbum mit dem wunderlichen Titel Shelf Life (Doyenne, 21. Oktober) gemacht. Multimedial konkrete Konzeptkunst aus Stimmperformance, Scanner-Kassen-Bleeps, Elektronik und Querflöte als Avantgarde-Pop auf Flora Yin Wongs Label. Schwebend der Zeit enthobene Musik wie ein Jugend verschwendend-schulschwänzender Mittwoch-Vormittag in der Vorstadt-Mall. Unmittelbar einleuchtende große Electronica. Lange Zeit galt Vaporwave als ultimativer Soundtrack der Pitch-verlangsamten Konsumapokalypse. Was Matilda Tjäder macht ist allerdings deutlich interessanter und besser.
Performancekunst als metapolitischer Kommentar zum Stand der Dinge, das geht sogar noch konkreter, nämlich als Garagen-Industrial-Hip-Hop mit Wobble-Bässen. Die Vokalistin/Performerin der Münchner Hip-Art-Punks „What Are People For?” Anna McCarthy hat auf ihrem Album Rubbermaidxxx (Alien Transistor, 5. November) den provokant humanistischen Nihilismus der allerspätesten Siebziger in einen BDSM-Playground von heute gebeamt, um schön freie aktivistische Kunst zu machen, eingesperrte Objekte aus dem Museum zu befreien und die Dienstleistungs-Klasse mit Breakbeats zu erleuchten.
Jens Friebe hat seine Musik von bewusst einfach und trashig gehaltener Kinderzimmer-Elektronik über die Jahre zu gediegen theatralischem Avant-Kammerpop entwickelt. Sein jüngstes Projekt namens Friberty hat die Freiheit schon im Namen und nimmt sich diese auf Friberty I (Staatsakt, 30. Oktober) offenherzig heraus, ein wehmütiges Stück weit zu den Electropop-mit-Indie-Schrammel-Wurzeln zurückzublicken und die erworbene Eleganz ein wenig zu verlernen, zugunsten von elektrisch rohem Minimalismus à la Suicide (oder noch näher: Martin Rev Solo). Denn die Theatralik und das Pathos sind zwar in simple Strukturen sublimiert, aber immer noch durchschlagend. Als wären die Bowery-Electro-Punks der späten Siebziger mit den gassenhauerischen Broadway-Showtunes der Zeit verschmolzen und auf einem billigen Stage-Piano und ein paar Dub-Effektgeräten zu neuem, grandiosen Leben erweckt (in feindeutsch akzentuiertem Englisch übrigens). Der Charme des Unfertig-Skizzenhaften perfektioniert zum Anti-Algorithmus.
Das langfristig angelegte Projekt der Komponistin Ingfrid Breie Nyhus, die norwegische Folklore als zeitgenössische Komposition produktiv zu machen, hat das Motherboard bislang sträflich vernachlässigt. So ist die aktuelle Iteration Silkegul – Slåttepiano III (LabLabel, 9. Oktober) schon die dritte für Solo-Piano. Die früheren Teile des Slåttepiano von 2020 und 2015 sind nicht weniger empfehlenswert. Die Stärke von Nyhus Projekt liegt in der magischen Wandlung archaischer Folk-Tunes in moderne Tonalität im eingeschränkten Klangraum des Klaviers, ohne den Charakter der ursprünglichen Stücke zu verlieren, die raue karge Melodik und oft tiefe Melancholie zu erhalten und doch modern und individuell zu interpretieren.
Mit der Big Band ins stille Kämmerlein. Die niederländische Saxofonistin Kika Sprangers schafft es, ihre Stücke so zu falten und zu komprimieren, dass sie in großer Besetzung noch überschaubar bleiben, in kleiner Besetzung aber raumfüllend ausgreifen. Dass sie klar als Jazz, sogar spezifischer noch als Modern Jazz, erkennbar bleiben, doch den Charakter und die Funktion von Ambient behalten. Da können die einzelnen Improvisationen noch so ausschweifend sein, sie finden immer ihren Platz in einem eher intimen Rahmen. Das macht river river (Dox Records, 13. November) zu mehr als einem guten zeitgenössischen Jazz-Album. Es ist Crossover, ohne wirklich Crossover zu wollen, pur in Genre und Stil und doch etwas anderes, etwas weniger und darin so viel mehr.
Das zweite Album von Seigen Tokuzawa & Masaki Hayashi nennt sich schlicht B (Flau, 16. September). Der profane Titel sollte allerdings nicht darüber hinweg täuschen, dass hier hochgradig ausgefeilte und lässig ausgeführte Stücke zu entdecken sind, welche den Zwischenraum von Kammer-Jazz nach ECM-Art und Ambient-naher Neoklassik explorieren und mehr als gekonnt ausspielen. Kein wirkliches Wunder, sind die beiden Japaner doch preisgekrönte Komponisten für Film und Fernsehen, Dokumentationen, Shows und Anime. Und nicht zuletzt geübte wie souveräne Improvisatoren an Cello (Tokuzawa) und Klavier (Hayashi). Nach fünf Jahren Reifezeit quasi live eingespielt, arbeiten die Stücke im Spannungsfeld von Stille und Ausbruch, von tiefer Harmonie und hibbeligem Experiment. Virtuosität und Zurückhaltung sind keine Gegensätze. Zusammen ergeben sie Initimität und Eleganz.
Instrumentale Folktronic-Americana mit anständigem Cowboy-Lagerfeuer-Pferdehuf-Percussion-Geklapper, so etwas kommt, logisch, aus Kopenhagen, wo sich Expat Jason Dungan (auch als „Blue Lake” bekannt) und der hiesige Produzent und Soundtracker Johan Carøe zusammengetan haben, um ihr ganz eigenes, tiefenentspanntes Musik-Amerika zu erschaffen. Es nennt sich Routine (Tonal Union, 25. September) und kombiniert alle Arten akustischer Instrumente, zuvorderst die Folk-Klampfe mit Cello-Loops auf elektronischer Fundierung. Was dabei entsteht, ist tatsächliche sanfte Musik für harte Zeiten, die sich mal mehr, mal weniger nach Filmsoundtrack anhört, aber vor allem eines bewirkt: angenehmste Entspannung ohne wegzudämmern. In jedem Stück, in jeder Phase der Stücke, finden sich ungewöhnliche Klangelemente, die den melodischen Fluss kurz innehalten lassen oder umlenken. Eine clevere, trickreich eingesetzte Methode ein langes Album durchweg interessant und spannend zu halten – und gleichzeitig doch durchweg als Ambient-Electronica im Hintergrund funktional zu halten.
In Australien lautet die magische Kombination: Banjo und Akustikgitarre. Ein paar kleine, flirrende Synthesizer gibt es noch obendrauf. Damit sind wir bei den knuffigen Sympathen Andrew Tuttle & Darren Cross angekommen. Deren augenzwinkernd am bekannten Rockband-Namen entlang schrappendes Album AT/DC (Someone Good, 2. Oktober) verschleiert die instrumentale Virtuosität öfter unter Loops, Effekten und elektronischen Flächen, bleibt aber nahe genug am akustischen Originalklang, um eine durchwegs warme, freundlich-organische Grundstimmung zu erhalten. Letztlich werden alle Tracks auf AT/DC früher oder später zu Ambient. Die reine Lehre der schwebenden Flächen vertreten die beiden dennoch nicht. Und das macht ihren Ambient neben und in aller feingranularen Schönheit doch mehr als interessant.
Die spezielle Kunst des in Glasgow lebenden Türken Isik Kural sind instrumentale Song-Tracks, die simpel und federleicht daherkommen, dennoch gar nicht so leicht zu (be-)greifen sind. Neu auf dem ungefähr viereinhalbten Album Motorcycles and Cherry Wind (RVNG Intl., 30. Oktober) ist der tendenziell entschlossenere Einsatz von Stimmen, zumal der von Isik selbst, die er allerdings gerade nicht in Rockbandmanier mittig vorn auf der Bühne einsetzt, sondern vielmehr als ein weiteres Instrument zwischen und hinter der akustischen Gitarre, den Flöten, Harfen und perlenden Synthesizern.
Freundlichkeit täuscht nicht, das weiß ähnlich die Musik des US-amerikanischen Producers Pospulenn, dessen über fünfzehn Jahre altes und absolut wundervolles Album Sun People Sleepwalker (Aşar/Oath, 27. November) – ein übersehener, vergessener Folktronica-Klassiker – auf dem neuen türkischen Label Aşar nun wieder veröffentlicht wird.
Und das wissen die in Barcelona lebenden Schnubbes-Brüder verschiedener Mütter Pablo Volt & J.G.G. Denn die kommt so dermaßen freundlich und zugewandt, so gut gemacht und gut gemeint, so umarmend daher, dass es in Zeiten wie diesen fast schon seltsam wirkt: Wie können die nur so lieb sein? So gut drauf? So lebensbejahend? Aber nichts daran ist fake. Die milde Folktronica ihres Albumdebüts Aquí me quedo (Pingipung, 23. Oktober) ist exakt so einfach kompliziert, leichtverständlich und oberflächenangenehm, wie sie sich beim ersten Mal anhört – und beim hundertsten Mal. Im Vergleich zum ähnlich operierenden Isik Kural leben Pablo Volt und Jordi Gegé ihre instrumentale und strukturale Virtuosität offener aus, legen weniger Geheimnis in die Architektur ihrer Stücke. Zu einem vergleichbar Trost spendend wie Herz erwärmenden Endergebnis kommen sie damit aber mindestens ebenso gut.
Den stabilsten Schnäuzer diesseits von Köln und jenseits von Surinam kann allerdings Keshav Purushotham vorwiesen. Die Musik seiner Combo Keshavara ist dementsprechend verlässlich. Auf Moondram Sevi (Papercup Records, 9. Oktober) mit bekannt feiner Krautrock- und Dub-Verspultheit in der global indischen AOR-Disco. Es sind einfach wunderbar lässige Songs, für die 1976 und 2026 nur ein Augenzwinkern auseinander liegen.
Und wenn es um moderne Electronica gehen soll: die Herbst/Winter-Kollektion des kalifornischen Labels Not Not Fun bietet eine jederzeit stil- wie qualitätsbewusste Übersicht des globalen Synthesizer-Undergrounds. Am prominentesten wohl vom Russen Vladimir Karpov alias x.y.r., dessen tatsächlich mächtig episch daherkommende Saga (Not Not Fun, 6. November) auf vier LP-Seiten mit jeweils einem langen Stück auslotet, was sich aus einem minimalen Setup, einem Vintage-Analogsynthesizer aus Sowjetzeiten, einem Looper und ein paar Effektgeräten alles herausholen lässt. Tiefe Trips durch die mysteriöse Transistor-Tiefsee, über Kondensator-Steppenlandschaften in Potentiometer-Höhlen an den spärlich beleuchteten Strand der elektrischen Transzendenz.
Wo schon der spanische Geschichtslehrer und Instrumentenbastler Juanvi Fortea alias Mínim wartet, um auf El Pes Del Món (Not Not Fun, 6. November) das dulcimerische Hämmern von Dungeon Synth mit einem von Kankyô Ongaku gelernten Minimalismus zu versöhnen. Von letzterem, der japanischen „Environmental Music” der Achtziger Jahre, haben die beiden weiteren aktuellen Labelveröffentlichungen abgeschaut, wie sich mit einfachsten technischen Mitteln Komplexität und Tiefe aus Wiederholung und Variation gewinnen lassen, wie es etwa die Hiroshi Yoshimuras Kompositionen auf früh-digitalen FM-Synthesizern vorgemacht haben.
Als da wären Nasses Raster (Not Not Fun, 2. Oktober) von Soft Blizzards, einem neuen Alias von Neo-Krautelektroniker und Datashock-Mitglied Ulf „Shivers” Schütte.
Sowie Matkat (Not Not Fun, 2. Oktober) von der transeuropäischen Mini-Supergroup Yayoba. Allesamt super starke Statements, die zum wiederholten Hören einladen.
