Trauer, Protest, Vogelstimmen und nackt am Strand: Auf ihrem neuen Album New Life verbindet DJ, Producerin und BPitch-Gründerin Ellen Allien die Berliner Clubmusik mit der Zeit auf einer Finca, Naturgeräuschen und ihrer eigenen Stimme. Im Interview mit GROOVE-Redakteurin Anne Holzki spricht die Produzentin über die Verwertungslogiken der Technoszene, den Tod ihrer Mutter, musikalische Radikalität und die Frage, warum sie manchmal Kokoswasser mit Espresso und Tequila trinkt.
Ich bin mit Ellen Allien bei der Edelbäckerei Zeit für Brot in Berlin-Mitte verabredet. Draußen riecht es schon nach warmem Gebäck und frischem Teig. Mein Magen fängt sofort an zu knurren. Noch stärker als der Hunger ist allerdings mein dringendes Bedürfnis nach Koffein. Kaffee. Ich brauche Kaffee. Ich bin fünf Minuten zu früh, was mir sonst eher selten passiert, und warte. Nach etwa zehn Minuten ruft eine unbekannte Nummer an. „Hi, hier ist Ellen. Wollen wir uns lieber beim Five Elephant treffen? Da gibt es besseren Kaffee. Und ich habe so einen Durst.” Meine Gebete wurden erhört, denke ich und muss schmunzeln. Ein Stück die Straße hinunter taucht die Kaffeerösterei auf. Ellen steht vor dem Eingang und winkt. Ich erkenne sie sofort.
Ihre blonden Zöpfe bewegen sich im Wind, die großen futuristischen Gläser ihrer Sonnenbrille blitzen im Licht. Sie trägt ein weites schwarzes Hemd und lange schwarze Shorts. Eigentlich ein schlichter Look, aber an ihr sieht er sofort besonders aus. Nicht angestrengt, nicht überstylt. Sie trägt es einfach so, als könnte es gar nicht anders sein.
Drinnen zischt die Espressomaschine. Der Geruch gemahlener Bohnen liegt dicht in der Luft und verdrängt endgültig die Erinnerung an die U-Bahn. Kaum stehen die beiden Hafercappuccinos vor uns, sagt Ellen: „Ich bin so süchtig.” Sie macht eine kurze Pause. „Nach Kaffee.” Dem kann ich nur zustimmen.
Wir setzen uns draußen auf zwei kleine Holzhocker und schlürfen unseren Kaffee. Bevor ich die erste Frage stellen kann, beginnt sie zu erzählen. Von Kroatien, Italien und Gent, von Festivals, langen Fahrten und zu wenig Schlaf. Auf dem Weg zurück nach Berlin habe sie im Auto geweint. Ein New Yorker Punkmusiker sei gestorben, einer von denen, die noch aus einer Arbeiterkultur und aus echtem Protest heraus Musik gemacht hätten. „Ich habe gedacht: Scheiße, die sterben alle, die Leute, die hier gekämpft haben.”
Dazu kommen die Nachrichten der vergangenen Tage, der Anschlag auf den Berliner CSD, die politische Lage, eine Gesellschaft, die sich für Ellen immer enger anfühlt. Sie spricht darüber, dass Menschen sich längst „den Arsch abarbeiten” und trotzdem erzählt bekommen, sie müssten noch mehr leisten „Es ist die ganze Zeit nur ein Kampf, so arbeiten zu können, wie man gerne möchte. Dass man Kunst machen kann.” Sie wirkt erschöpft, aufgewühlt und gleichzeitig voller Energie. Genau diese Spannung liegt auch in ihrem neuen Album: Trauer und Tatendrang, Dunkelheit und Aufbruch, Verletzlichkeit und die immer wiederkehrende Aufforderung, trotzdem aufzustehen.
GROOVE: Du hast gerade erzählt, dass du auf der Fahrt nach Berlin geweint hast. Auf deinem Album gibt es den Track „Steh auf”. Geht es darin genau um solche Momente – traurig und erschöpft zu sein und trotzdem weiterzumachen?
Ellen Allien: Der Track richtet sich zuerst an meine Mutter. Sie war krank und ist im vergangenen Jahr gestorben. Ich hatte davor noch eine sehr schöne Zeit mit ihr und habe sie viel gesehen. Dabei habe ich mich immer wieder gefragt, wie sie es schafft, jeden Morgen aufzustehen – so schwach, wie sie war. Trotzdem hat sie das Leben noch angenommen. Dann habe ich über all die anderen Menschen nachgedacht. Menschen, die krank sind, körperlich oder psychisch. Menschen, die traurig sind. Kinder im Krieg. Leute, die nicht so luxuriös leben können wie wir und trotzdem jeden Tag aufstehen und ihr Leben in die Hand nehmen. Das ist sehr mutig.
Viele Menschen haben gerade diesen Weltschmerz. Man steht morgens auf und denkt: Wir sind doch eigentlich alle so tolle Menschen. Warum sind dann alle so böse? So viele Leute haben Ängste. Aber morgens aufzustehen und das Leben in die Hand zu nehmen, hat mit Mut zu tun. Wir müssen diesen Mut jeden Morgen wieder spüren. Losgehen, unsere Werte verteidigen und Kraft haben. Wir dürfen uns nicht nur als Victims der Gesellschaft fühlen. Das ist nicht einfach. Ich schaffe das auch nicht immer. Aber ich versuche, mich nicht nur vom Weltschmerz einnehmen zu lassen. Ich möchte etwas dafür tun, dass es anders wird. Diese Kraft wollte ich mit dem Track weitergeben.
War „Steh auf” der Moment, in dem du gemerkt hast, dass aus den einzelnen Texten und Ideen ein ganzes Album werden könnte?
Die persönlichen Texte hatten sich schon länger angesammelt. Ich hatte einfach Lust, wieder zu musizieren und daraus etwas zu machen. Bei „Steh auf” ging es darum, meine eigene Trauer zu verarbeiten und gleichzeitig anderen mitzuteilen, dass ich sie sehe und mit ihnen mitfühle.
Der Track „Mein Herz” klingt wie eine Liebeserklärung. Wem gilt sie?
Das ist eine Hommage an meine Liebsten und an die Menschen, mit denen man auf dem Dancefloor diese Energie teilt. Da passiert ja etwas Wahnsinniges. Gerade in langen Nächten. Menschen öffnen sich durch die Musik, freuen sich und sind für einen Moment vollständig im Hier und Jetzt. Manche kennen die Szene schon lange, andere gucken vielleicht erst einmal zu und machen dann zum ersten Mal mit. Dieses Gefühl, durch Musik etwas miteinander zu teilen, wollte ich mit meinem Song einfangen. Ich war auch lange nicht richtig im Studio gewesen. Dann hatte ich einfach wieder Lust darauf, Songs zu produzieren. So sind nach und nach die Tracks entstanden. Dann kamen die Texte, die Vocals und die verschiedenen Orte zusammen, und irgendwann war klar: Daraus wird ein Album.
„Man steht morgens auf und denkt: Wir sind doch eigentlich alle so tolle Menschen. Warum sind dann alle so böse?”
Der Titel „New Life” klingt nach einem klaren Neuanfang. War das von Beginn an der Name?
Nein. Ich wollte es zuerst „Be Your Own Leader” nennen.
Das klingt deutlich provokanter.
Ja, aber dann dachte ich: Wenn ich so stark über Leadership rede, denken alle sofort an diese bösen Menschen, die unsere Welt industrialisieren, Grenzen schließen und menschliche Vielfalt diskriminieren. Ich wollte den Fokus nicht ausschließlich auf diese Personen richten. Dann habe ich mich gefragt: Was ist für mich ein Leben ohne diese Leader? Das wäre ein neues Leben. Für mich, für alle und eigentlich für den ganzen Planeten. Deswegen heißt es „New Life”. Ich bin in West-Berlin aufgewachsen, mit dieser Mauer um mich herum. Irgendwann habe ich realisiert, wie sehr mich das geprägt hat.
Warum kann ich dieses Leben führen? Seit so vielen Jahren jedes Wochenende reisen, ein Label machen und mit so vielen verschiedenen Menschen arbeiten? Menschen, die mich lieben oder hassen. Menschen, die meine Musik nicht mögen oder unzufrieden damit sind, wie wir bei BPitch arbeiten. Wie kann ich mit diesen ganzen krassen Energien umgehen? Ich glaube, das liegt auch an meinem Bedürfnis nach Freiraum. Ich brauche diesen Freiraum und nehme ihn mir. Deshalb kann ich mit so unterschiedlichen Leuten arbeiten. Mal entsteht mit der einen Person etwas, mal mit einer anderen. Wir schaffen in diesem Moment kreativen Platz. Wenn wir etwas zusammen herausbringen können, machen wir das. Nothing is forever.
Das klingt aber auch so, als wäre „New Life” kein fertiger Zustand.
Nein, für mich ist das Album auch noch nicht beendet. Solange ich diesen Channel offenlassen möchte, bleibt er offen. Ich werde immer wieder neue Stücke hinzufügen. Für „Fantazy” habe ich zum Beispiel schon eine A-cappella-Version gemacht und selbst gemischt. Bei anderen Tracks entstehen Edits, nachdem ich sie im Club gespielt habe. Dann merke ich, dass ich noch etwas verändern möchte, damit sie auf dem Dancefloor anders oder besser funktionieren. Ich habe das Album zuerst als LP produziert und arrangiert. Natürlich ist es Dancefloormusik, weil ich DJ bin. Ich denke automatisch vom Dancefloor her. Aber er war bei der Produktion nicht immer der einzige Fokus. Jetzt spiele ich die Tracks und entwickle sie weiter. Das Projekt kann weiterleben.
Während Ellen erzählt, ist der erste Cappuccino fast leer. Sie spricht schnell und springt zwischen Orten und Jahren. Berlin, Miami, Spanien. Ihr Album ist nicht in einem einzigen Studio entstanden. Die Musik hat sie begleitet, wohin sie gerade kam.
Wie haben die ersten Aufnahmen ausgesehen?
Die ersten Tracks habe ich vor ungefähr zwei Jahren bei mir zu Hause in Berlin mit Pablo Mateo Sanchez gemacht. Wir hatten ein kleines Keyboard, einen Computer und ein Mikrofon. Ich hatte vorher Texte geschrieben und Melodien eingespielt. Dann haben wir ganz viele Vocals aufgenommen und daraus Demos und Snippets gebaut. Ein paar Sachen sind zwischendurch verloren gegangen. Die sind einfach weg. Aber vieles habe ich später weiterverwendet. In fast allen Tracks ist meine Stimme zu hören. Ich sehe mich inzwischen auch als Vocalistin. Ich benutze momentan viel Sprechgesang, singe aber auch. Meine Stimme ist auf diesem Album sehr präsent im Vergleich zu meinen früheren.
Deine Stimme klingt häufig eher wie eine Nachricht oder ein Signal als wie klassischer Gesang.
Ja. Die Stimme muss nicht immer schön oder perfekt sein. Sie kann ein Gedanke sein, eine Botschaft oder eine Energie. Bei diesem Album gab es viele persönliche und politische Texte. Deshalb hat das gut gepasst. Manchmal entstehen die Vocals zuerst. Dann ist schon eine Haltung da, bevor der ganze Track gebaut ist. Bei Steh auf waren schon so viele Vocals drin, dass ich vieles davon gelassen und später nur neue Melodien ergänzt habe.
Nach den ersten Berliner Aufnahmen hast du an mehreren Orten weitergearbeitet. Wie hat sich das Album dadurch verändert?
In Miami habe ich für den Track „Fantazy“ Vocals, Drums und Percussions aufgenommen. Ich war dort bei einem befreundeten Produzenten, Gabriel Lopez und wir haben mit den Vocals einfach herumgespielt. Später habe ich in Spanien das gesamte Album noch einmal umgebaut. Wir haben alles neu gemischt und weitere Tracks produziert. Manche Elemente aus den Berliner Aufnahmen habe ich nur noch als Samples benutzt. Andere Sachen sind fast so geblieben, wie sie waren.
Warum gerade Spanien?
Ich wollte dort eigentlich Urlaub machen. Ich bin im Januar und Februar häufiger dort. Dann hatte ich aber total Lust, Musik zu machen und bin ins Studio gegangen. In Spanien habe ich Produzenten getroffen, denen das Musikmachen genauso viel Spaß macht wie mir. Das waren unter anderem Leo Arato und Cumhur Jay. Wir saßen auf einer alten Finca mit vielen Olivenbäumen. Das war keine durchgestylte Hipster-Finca, sondern alles war ganz simpel und reduziert. Die Atmosphäre war sehr entspannt: Wir haben geredet, philosophiert, zusammen gekocht und Musik gemacht. Das Mischpult stand auf einer alten Olivenpresse. Zwischendurch kam der Hund herein, mit dem ich kuscheln konnte. Das fühlte sich eher wie ein Wohnzimmer als wie ein Studio an.
„Früher habe ich fast alles in Berlin produziert. Mittlerweile merke ich, dass es für mich stressiger ist, hier Musik zu machen.”
Klingt beinahe nach dem Gegenteil einer professionell durchgetakteten Studioproduktion.
Das war es auch. Die Menschen dort sind sehr entspannt. Es gibt keinen Stressmoment. Niemand schaut ständig auf die Producer-Uhr. Es heißt eher: „Ellen, wie willst du das machen?” Und dann probieren wir es aus. Im Winter ist dort nicht viel los. Man befindet sich in einer anderen Bubble. Früher habe ich fast alles in Berlin produziert. Mittlerweile merke ich, dass es für mich stressiger ist, hier Musik zu machen. Die Menschen sind anders drauf, alles ist schneller. Auf der Finca konnten wir einfach zusammensitzen und Musik entstehen lassen. Entscheidend ist die Energie zwischen den Leuten. Wenn die stimmt und alles entspannt ist, kann ich mich öffnen.
Kann man diese unterschiedlichen Orte im Album hören?
Die Einflüsse sind eigentlich vor allem das Meer und die Stadt Berlin. Man hört diese Berliner Tension. Die Musik klingt nach Berliner Clubmusik, weil das einfach in mir ist. Gleichzeitig ist das Album romantisch. Es geht viel um Mut, zum Beispiel bei „Steh auf” oder „Move It”. Und es gibt immer wieder diese Idee: Nobody needs a leader. „Fantazy” spielt wiederum mit der Grenze zwischen Fantasie und Realität. Ist nicht auch die Realität eine Fantasie? Solche spirituellen Wortspiele finde ich interessant. Und dann gibt es „Cruising”. Da geht es darum, nachts im Park herumzulaufen. Wir haben dazu ein Video in Barcelona gedreht. Gegenüber von meinem Hotel lag auf einem Berg eine Cruising Area. Ich habe eine Bekannte gefragt, ob wir dort mit Nachtlampen herumlaufen und filmen können. Auch das ist ein Element des Albums: Was machen Menschen nachts in der Natur, mitten in der Stadt? Cruisen!
Auf mehreren Tracks hört man Wellen, Vögel und andere Field Recordings. Woher kommt dieser starke Bezug zur Natur?
Das Meer bedeutet für mich Herkunft. Ich fühle mich sehr stark davon angezogen. Ich habe das Gefühl, dass ich aus dem Meer komme – oder dass wir alle daraus kommen. Ich spüre das, auch wenn ich es nicht logisch erklären kann. In Berlin fällt es mir schwerer zu sagen, wo ich herkomme. Ich sehe die alten Häuser nicht mehr, in denen meine Familie gelebt hat. Vieles wurde zerbombt, ich habe diese sichtbaren Orte meiner Herkunft nicht. Das Meer gibt mir auf eine andere Art eine Antwort. Bei „Bella” hört man zum Beispiel Wellen. Dazu kommen Vögel und andere natürliche Sounds. Das steht im Kontrast zu der dunklen Berliner Musik. Für mich gehört es aber zusammen.Diese Verbindung setzt sich auf dem Cover fort: Du stehst nackt im Meer. Wie kam es zu diesem Bild?
Das Foto wurde in Mexiko aufgenommen. Ich stand nackt im Meer. Genau darin lag für mich die Bedeutung: Wo komme ich her? Aus dem Meer. Und ich bin dabei ganz nackt. Ich hatte keine Lust auf Studiofotos, Fashion-Klamotten, Make-up und diesen ganzen Wahnsinn. Ich wollte nicht wieder mein Gesicht als Marke darstellen. Ich wollte am Meer und in der Natur fotografiert werden. Dort fühle ich mich am wohlsten und gleichzeitig anders als das Stadtkind. Als die Musik fertig war, habe ich viele Ideen für das Cover gesammelt. Ich habe einen ganzen Hefter mit Bildern und Arbeiten von Fotografen. Beim Durchgehen fand ich dieses Foto wieder. Ich hatte es noch nicht richtig benutzt, aber aufgehoben. Plötzlich passte es zum Thema des Albums. Wenn du dein Leben in die Hand nimmst, tust du das am Ende selbst – naked, nur mit deiner Energie. Ich wollte diese Fragen darstellen: Wo kommen wir her? Was sind wir jetzt? Und was machen wir mit unserer Nacktheit? Es geht um etwas Ursprüngliches. Nicht: Schaut euch meinen Körper an. Sondern: Das ist ein Mensch, ohne Kostüm und ohne die üblichen Zeichen, über die Künstler dargestellt werden. Wir kommen nackt auf die Welt. Dann müssen wir herausfinden, was wir mit diesem Leben machen.
Warum erscheinen viele der Visuals blau und schattenhaft?
Ich wollte innerhalb dieses Konzepts bleiben und nicht in eine klassische Fashion-Ästhetik zurückfallen. Wir haben an mehreren Orten fotografiert: auf Formentera, Sizilien und in Mexiko. Dabei habe ich mit Menschen gearbeitet, die ein eigenes künstlerisches Empfinden haben, darunter eine enge Fotografenfreundin aus Berlin, mit der ich schon viele Videos gemacht habe. Mich inspiriert an diesen Orten nicht nur die Landschaft. Entscheidend ist die Art, wie ich dort mit Menschen aufnehme, filme oder musiziere. Welche Energie entsteht zwischen uns? Können wir entspannt arbeiten? Das sieht und hört man am Ende.
Das Album wirkt musikalisch sehr fließend. War dieser Flow von Anfang an geplant?
Ja. Es gibt frühere Alben von mir, auf denen ich die Situationen und Sounds oft stärker gewechselt habe. Ich habe Breaks, Paarungen und Arrangements bewusst auf andere Ebenen geführt. Bei New Life wollte ich, dass die Tracks stärker miteinander fließen. Die Arrangements sind verbindender gebaut. Das war Absicht. Die Musik hat diesen dunklen Berliner Ravehouse-Charakter, aber die Melancholie führt zum Licht. Es geht um Mut zum Leben. Diese Bewegung sollte sich nicht nur in den Texten, sondern auch im Aufbau des Albums zeigen.
Gibt es ein bestimmtes Gefühl, das die Menschen nach dem Hören mitnehmen sollen?
Das ist tagesabhängig. Musik macht mit jedem Menschen etwas anderes. Selbst dieselbe Person hört einen Track an verschiedenen Tagen anders. Deshalb habe ich nicht darüber nachgedacht, welche Ellen-Allien-Vibes alle unbedingt mitnehmen sollen. Die Texte sagen einiges. Man hört die Dunkelheit, die Melancholie, den Mut und die Energie. Aber was das am Ende auslöst, hängt von den Menschen ab, die es hören.
Du hast schon mehrfach den Satz „Nobody needs a leader” erwähnt. Warum stört dich die Idee von Leadership so stark?
Ich glaube, wir arbeiten am besten in Teams. Leader nerven häufig nur. Sie wollen noch mehr Umsatz, noch mehr Arbeit und noch mehr Statistiken. Dadurch geht die Menschlichkeit kaputt, obwohl die Menschen sowieso arbeiten, sich bewegen und Dinge erschaffen. Es macht für mich auch keinen Sinn, dass Menschen ein Land führen und Mauern oder Grenzen schließen, weil sie glauben, sie müssen sich vor anderen schützen. Dann wird von der sogenannten Dritten Welt gesprochen. Aber warum gibt es diese sogenannte Dritte Welt überhaupt? Weil diese Länder komplett ausgebeutet werden. Deshalb ist New Life politisch. Wir müssen darüber nachdenken, wie ein anderes Leben aussehen könnte und was wir selbst verändern können.
„Wenn ich dort stehe, eine harte Bassdrum spiele und alles springt, hat das etwas Radikales.”
Ist dein Auflegen selbst politisch?
Wenn ich auflege, denke ich nicht immer: Ich bin jetzt politisch. Aber eigentlich ist Techno ein Protest. Wenn ich dort stehe, eine harte Bassdrum spiele und alles springt, hat das etwas Radikales. Techno ist aus einem Diskurs mit dem System entstanden. Die Leute haben gesagt: Wir schaffen uns hier Räume. Wir machen Platz für uns und bauen eine andere Art von Gemeinschaft auf. Diese Räume sind noch da. Sie sind nicht einfach weg. Menschen gehen dahin, weil es diese Community gibt und weil sie wissen, dass sie weiterbestehen kann.
Gibt es auch Momente für dich, in denen Techno seinen Protestcharakter verliert?
Wenn alles nur noch zu Kohle wird. Viele DJs nehmen bekannte Pop-Samples, damit der Moment noch größer wird und sofort alle Arme nach oben gehen. Das kann funktionieren, aber es wird total kommerzialisiert. Diese Entwicklung gab es früher schon. Irgendwann wird Techno dadurch wieder uncool. Unsere Community hat andere Werte. Für sie ist diese Musik tatsächlich ein Protest. Sie ist groß genug, dass wir wissen: Wir haben uns. Wäre diese Community nicht mehr da, würden viele interessante Menschen irgendwann rausgehen und keinen Techno mehr hören.
Ist Popmusik in einem Technoset für dich grundsätzlich ein Problem?
Nein. Wenn es etwas Neues ist, wenn es wirklich von einer Person gesungen wurde und nicht AI ist, kann es auch schön sein. Auch wenn es nicht mein Geschmack ist. Pop hat seine Berechtigung. Mich stört es, wenn alles zusammengeklaut und zusammengeschachtelt wird. Die Bassline von einem Hit, der Beat von einem anderen und dazu ein Sample, das ohnehin jeder kennt. Dann gehen die Arme hoch, aber es gibt keine eigene Idee. Musik braucht einen künstlerischen Inhalt. Es gibt sehr produktbezogen produzierte Musik, und ich finde, das hört man. Da ist keine Seele drin. Ein guter Hit kann dagegen ganz einfach aus dem Leben geschrieben sein. Dann ist er echt. Ich höre, ob etwas nur nachgebaut wurde oder ob jemand wirklich einen eigenen Gedanken hatte.
Du kritisierst auch, wie stark sich bei großen Produktionen alles auf den DJ konzentriert.
Da werden immer wieder Snare-Drums, Rolls und große Breaks eingebaut, um Spannung zu erzeugen und dafür zu sorgen, dass alle auf die Bühne schauen. Dazu kommen die hellen Lichter auf dem Artist. Das funktioniert auf großen Flächen. Es ist massenkompatible Musik. Wenn sich aber alles nur noch auf die Person da vorne konzentriert, hat das irgendwann nichts mehr mit Community zu tun. Dann stehen dahinter Firmen, die mathematisch berechnen, wie viele Tickets sie zu welchem Preis verkaufen können. Manche besitzen sogar die Ticketunternehmen selbst. Auch die DJs haben Managements, bei denen es nur um Profit geht. Alles wird nach dem Result beurteilt.
Was bedeutet „Result” in diesem Zusammenhang für dich?
Es wird immer ein messbares Ergebnis verlangt. Wie muss man etwas gestalten, damit es sich möglichst gut verkauft? Was kommt dabei heraus? Wie viele Zahlen produziert es? Natürlich kann ein Result auch etwas Schönes sein. Für mich ist ein Result, wenn im Studio ein guter Track entsteht. Problematisch wird es, wenn dieses Ergebnis mathematisch wird und nur noch über Numbers definiert ist. Dann nimmt es die ganze Energie weg. Wir haben zum Album zum Beispiel ein paar Merchartikel produziert, die nicht rechtzeitig fertig geworden sind. Ich dachte sofort an die Menschen, die das Album schon in unserem Webshop bestellt hatten. Wir konnten die Tasche nun nicht mehr in dasselbe Paket legen und müssen zweimal Porto bezahlen. Viele können sich das nicht einfach leisten. Das hat mich total traurig gemacht. Es klingt vielleicht nach einer Kleinigkeit, aber genau diese Dinge zeigen, wie viel Druck überall entsteht.
In dem Moment fängt Ellen an zu weinen.
Ich habe gerade eine sensible Phase. Ich habe viel gespielt und wenig geschlafen. Danach geht das Dopamin herunter. Gleichzeitig ist die Welt momentan so schlimm. Das kommt alles zusammen. Dann denke ich: Das hat nicht funktioniert, das sieht nicht gut aus, die Leute müssen noch einmal Versand zahlen. Plötzlich kommt alles zusammen. Wenn bei Veranstaltungen nur auf Zahlen geschaut wird, bleibt irgendwann kein Platz mehr für die Musik. Die Musik wird schlechter. Der DJ hat mehr Druck, die Produzenten haben mehr Druck, alle haben mehr Druck. Dieser Druck muss raus.
Wenn Zahlen nicht das Entscheidende sind: Was macht eine Veranstaltung für dich erfolgreich?
Wir schauen bei unseren Events nicht zuerst auf die Zahlen. Wir schauen, wie ein DJ spielt und ob Energie entsteht. Welche Menschen kommen? Welche Menschen möchten wir im Raum haben? Wie gestalten wir die Gästeliste? Wie schaffen wir Bedingungen, unter denen sich die Leute sicher fühlen und über viele Stunden eine schöne Zeit haben können? Am 1. Mai habe ich wieder We Are Not Alone kuratiert. Das ging vier Tage durch. Wir haben sehr viel Energie in das Line-up gesteckt und genau überlegt, wie es über diese lange Zeit funktionieren kann. Die Leute sollen bleiben können, ohne dass die Dramaturgie zusammenbricht. Und es hat funktioniert. Es war wunderschön. Alle DJs haben großartig gespielt. Das ist für mich ein Result. Nicht nur eine Zahl, sondern die Energie, die in einem Raum entstanden ist.
Bei deinen Sets gehst du manchmal bewusst einen radikalen musikalischen Weg. Wie entsteht eine solche Entscheidung?
Oft direkt beim Auflegen. Bei einem Open Air in Italien hatte ein legendärer Detroit-DJ vor mir gespielt. Er hatte viele House Classics und Hits dabei. Ich dachte: Jetzt mache ich einen minimaleren, deutschen Part. Ich spiele weniger Vocals, langsamere Sachen und Musik, die die Leute vielleicht nicht kennen. Ich wollte herausfinden, ob es funktioniert, wenn ich mich komplett auf die Magie von Beatstrukturen und subtileren Sounds verlasse. Nicht auf den einen riesigen Moment, sondern auf eine andere Form der Spannung. Es hat funktioniert. Aber es hätte auch schiefgehen können. Man kann damit natürlich untergehen. Genau das macht es spannend.
Planst du solche Bögen vor einem Set?
Manchmal habe ich eine kreative Idee, die sich über mehrere Tracks zieht. Nicht nur von Track zu Track, sondern als kleiner durchdachter Abschnitt. Während ich spiele, schaue ich raus und frage mich: Gehe ich jetzt runter oder hoch? Bleibe ich hier? Probiere ich etwas anderes? Das macht mir unglaublich viel Spaß. Auflegen ist sehr kreativ, wenn man sich diesen Spielraum lässt.
Wovon hängt es ab, ob du ein Risiko eingehst?
Vom Soundsystem, davon, wie die Tracks im Raum klingen, und von meiner Konzentration. Wenn ich konzentriert bin, kann ich viel spielerischer sein. Ich weiß genau, an welcher Stelle ein Track ist, und habe mehr Ideen. Schwieriger ist es, wenn du nachts nach drei Stunden Tiefschlaf geweckt wirst und sofort funktionieren musst. Dann hilft eigentlich nur Kaffee – der beim Veranstalter aber nicht immer da ist. Wenn jemand einen Kaffee hinstellt, macht das sofort einen tollen Eindruck. Es sind die kleinen Dinge.
Welche Getränke brauchst du außer Kaffee vor einem Set?
Kokoswasser, weißer Tequila und Mate.
Das ist eine ungewöhnliche Kombination. Trinkst du das alles einzeln?
Wenn ich gar keine Zeit habe, kippe ich Espresso ins Kokoswasser. Sonst trinke ich zuerst Kaffee und danach Kokoswasser mit einem kleinen Schuss Tequila. Dann geht der Metabolismus hoch. Durch den Zucker aus dem Alkohol wird der Kaffee schneller aktiviert, und ich bekomme einen Kick. Das Kokoswasser ist außerdem gut für den Magen und neutralisiert ein bisschen die Säure.
Es schmeckt nicht besonders gut, aber es funktioniert. Mate schmeckt ja auch nicht, und trotzdem trinken es alle. Es knallt eben gut.
Kaffee schmeckt dir aber tatsächlich?
Kaffee finde ich wahnsinnig lecker. Ich hole mir gleich noch einen.
Du wirst oft als Pionierin oder Matriarchin der Berliner Technoszene bezeichnet. Magst du solche Begriffe?
Ich sehe es gar nicht so sehr als Pionierarbeit. Es gab immer Menschen vor mir und Menschen neben mir. Wichtig ist, dass die Plattformen weiterbestehen und Platz für tolle Künstler bieten. Meine Labels BPitch, UFO Inc. und unsere Veranstaltungen gehen weiter. Wir entdecken neue Musik und neue Leute. Bei We Are Not Alone gibt es inzwischen ein Stammpublikum. Man trifft sich dort immer wieder. Gleichzeitig kommen neue Menschen dazu. Das ist schön. Eigentlich bleibt alles spannend.
Dein Name passt erstaunlich gut zu den außerirdischen Sounds und Bildern, die dich bis heute begleiten. Wie ist „Ellen Allien” entstanden?
Den Namen hat mir ein Barkeeper im Fischlabor gegeben, wo ich meine ersten Gigs gespielt habe. Ich fragte ihn irgendwann, warum er mich Ellen Allien nennt. Er sagte, meine Musik höre sich wie ein Alienfilm an: Alien one. Der Name war ein Geschenk von ihm. Vielen Dank, Eggie. Ich wusste zuerst nicht, ob ich ihn behalten soll. Aber ich hatte das Gefühl, dass er mich sehr mochte und der Name von Herzen kam. Deshalb ist er geblieben.
„Ich muss sogar sagen, dass ich Frauen häufig lieber auflegen höre.”
Wenn die Ellen Allien von 1992 heute hier am Tisch säße – was würdet ihr euch sagen?
Ich spreche sowieso mit mir selbst. Früher war es nicht besser als heute, sondern anders. Wir haben die Wende erlebt, diesen ganzen Wahnsinn zwischen Ost und West und viele politische Veränderungen. Die Zeit zwischen 2000 und 2010 war ebenfalls unglaublich. Man konnte vieles genießen, das zuvor erkämpft und erarbeitet worden war.
Dazu gehört auch die Emanzipation von Frauen. Ich bin ein Teil dieser Entwicklung in der Musikszene: Frauen gründen Firmen und Labels, werden Veranstalterinnen und bauen eigene Strukturen auf. Heute gibt es so viele DJ-Frauen. Das ist wunderbar. Ich muss sogar sagen, dass ich Frauen häufig lieber auflegen höre. Ich kann gar nicht genau erklären, warum. Natürlich höre ich auch Männer. Ich würde der jüngeren Ellen sagen: Du hast sehr viel für die Musik und für deine Plattform gearbeitet. Und du machst es immer noch gerne. Es geht weiter.
Also beschreibst du mit New Life kein neues Leben, in dem plötzlich alles anders und einfacher ist. Aber was ist es dann?
Es ist nicht dieser eine große Neuanfang. Es ist eher die Bereitschaft, immer wieder einen neuen Raum zu öffnen. Wenn im Studio ein Track entsteht, den es vorher nicht gab, ist das ein neues Leben. Wenn ich spiele und sich etwas im Raum öffnet, ist das neu. Wenn ein junger Artist eine eigene Sprache findet, ist das neu. New Life ist der Ort, an dem ich gerade bin. Darin liegen Trauer und Protest, aber auch starke Jahre und eine enorme Energie zum Leben. Ich möchte mich nicht von der Welt klein machen lassen. Ich möchte weiter Musik machen, Menschen zusammenbringen und kreative Räume schaffen. Am Ende musst du dein Leben selbst rocken. Aber du musst es nicht ohne andere Menschen tun.
Als wir uns verabschieden, ist der Kaffee ausgetrunken. Das Gespräch hat von einer spanischen Finca zu zerstörten Berliner Häusern geführt, vom Tod ihrer Mutter zu Techno-Managements, von Meeresrauschen zu harten Bassdrums und von politischer Trauer zu Kokoswasser mit Tequila. Ellen Allien hat gelacht, geflucht und geweint. Sie wirkte verletzlich und kampfbereit, erschöpft und rastlos, gelassen und voller Ideen. Dann steht sie auf, zieht ihre futuristische Sonnenbrille zurecht und verschwindet zwischen den Menschen auf dem Gehweg. Ihre Gestalt wird immer kleiner, je weiter sie geht und verblasst langsam, bis sie schließlich gänzlich verschwunden ist. Zurück bleibt der Geruch nach Kaffee – und der Eindruck, dass „New Life” bei Ellen Allien weniger einen Neustart bezeichnet als eine Weigerung, stehen zu bleiben.
