Caterina Barbieri hat zum zweiten und letzten Mal die Biennale Musica in Venedig kuratiert. Wir waren vor Ort und haben erlebt, wie unter dem „A Child of Sound“-Konzept elektronische Musik mit und ohne Clubbezug und Kompositionen für den Konzertsaal ineinandergreifen.
Die einen schließen die Augen, lassen sich in die Gitarrenklänge von Walter Zanetti fallen. Andere schauen dem Mann gebannt bei seinem Spiel zu. Im einen wie im anderen Fall gelingt es dem alterslosen Musiker, die Aufmerksamkeit ganz und gar zu fesseln.
Zanetti sitzt auf einem Stuhl, die akustische Gitarre auf seinem Schoß. Blitzschnell greift er um den Hals der Gitarre, mit der rechten Hand zupft er die Saiten. Vielleicht 100 Menschen sind in den Saal im einstigen Dock der venezianischen Marine gekommen. Die nackten, zerschlissenen Backsteine verweisen auf die Geschichte des Komplexes als zeitweilige Ruine. Nun sind hier alte Perserteppiche ausgelegt wie in einem Studio, diese Stimmung wird aufgenommen von Hi-Fi-Boxen mit avantgardistischen Hörnern, die das Gitarrenspiel in den Raum tragen. Die Zuhörer sitzen zum Teil auf dem Boden, zum Teil auf einer flachen Bank. Die Rituale des Konzertbetriebs werden hier nicht aufgerufen, eher beiläufig hat man sich hier eingefunden, wie im Studio von Bekannten. Es geht nur um das Erleben der Musik.
Zanetti vollbringt das Kunststück, als Solist zwei Stimmen zu spielen. Mit dem Daumen zupft er eine Art Loop, der Struktur schafft, mit den anderen Fingern freie Melodien. Das erste Stück klingt kontrolliert, nach und nach öffnet es sich immer mehr und die Freude am Spiel erfüllt den bescheiden wirkenden Mann mit einer überbordenden Lebendigkeit.
Eine Frau mit wehendem Haar lenkt eine Diesellokomotive durch ein Kornfeld – die Diesellok ist allerdings eine Orgel, auf der sie spielt.
Wer weiß, dass Caterina Barbieri kuratorisch für das Festival verantwortlich ist, wird sich wundern, wo hier die Beziehung zur elektronischen Musik liegt. Zum einen verarbeiten ihre Tracks auch klassische Musik, die Opern, die sie als Kind bei ihrer Großmutter hörte, etwa. Zum anderen war es bei der zweiten und letzten von Barbieri kuratierten Biennale Musica ein Anliegen, das Spektrum zur klassischen und neuen Musik hin zu erweitern und auch einen kulturellen und politischen Blick auf die Musik zu werfen. Dieses Interesse kommt nicht von ungefähr, Zanettis Debütalbum ist der erste nichtelektronische Release auf ihrem Label lightyears. Ein Act, der ebenso für seine Musik wie als kulturelles Phänomen interessant ist, übernimmt nach Walter Zanetti: Masaru Hatanaka. Der Japaner kommt in einem ganz anderen Setting daher.
Am Ende des langen Raums ist eine Bar aufgebaut, grelles Halogenlicht scheint durch Schnapsflaschen. Auf der Seite steht Hatanaka an einem DJ-Deck und spielt ungewöhnlich formlose, dronige Klänge, die in ihrer Ungreifbarkeit fordernd wirken. Das ist nicht alles: Neben den CDJs stehen ein alter PC-Monitor und ein Videomischer, mit denen Hatanaka surreale Videoschnipsel steuert. Eine Frau mit wehendem Haar lenkt eine Diesellokomotive durch ein Kornfeld – die Diesellok ist allerdings eine Orgel, auf der sie spielt. Hatanaka betreibt in Tokio eine winzige Bar, die vollgestopft ist von Fundstücken, zum Beispiel einem Plakat einer früheren Documenta in Kassel, und ähnlich voll und ungreifbar wirkt wie die Musik.
An diesem Festival-Donnerstag erlebt Venedig noch eine Konzertpremiere eines Kindes der Lagunenmetropole, das mit 71 zum ersten Mal in seiner Heimatstadt auftritt. Gigi Masin nimmt an einem Flügel Platz, an der Seite steht ein Laptop. Gemeinsam mit dem Gitarristen Neil Charles und dem Trompeter Marco Baldini spielt er sein klassisches Album Wind, mit dem er sich einen Namen gemacht hat. Getragen wird es von den elektronischen Klängen, die vom Laptop abgespielt werden und das füllige, wolkige Gefühl erzeugen, das dem Album nach seiner ursprünglichen Veröffentlichung 1985 in den 2010er-Jahren ein so kolossales zweites Leben bereitet hat. Zur Musik vom Band spielt Masin einzelne Anschläge auf dem Klavier, die ebenso wie die Gitarrenklänge und die langgezogenen Trompetentöne kleine, lebendige Akzente erzeugen, die so unspektakulär wie unverzichtbar sind.
Das Festival findet zeitgleich mit der Kunstbiennale statt. Da gibt es eine Reihe von Berührungspunkten, die hausgroßen Heißluftballons etwa, die in brasilianischen Favelas aus Papier zusammengeklebt werden und einen Kampf der Selbstbehauptung symbolisieren, die von einem Mixtape von DJ Anderson do Paraíso begleitet werden. Eine interessante Komposition von der Avantgarde-Ikone Keiji Haino zwischen Drone und Soundscape, die amorph ist und die Aufmerksamkeit auf angenehme Weise bindet, wird von einem Video begleitet, bei dem eine graue Katze durch ein elegantes, lichtdurchflutetes Haus streicht.
Am Abend kredenzt Caterina Barbieri den Biennale-Musica-Gästen ein spektakuläres Konzert im Teatro Goldoni, einem alten venezianischen Theater, in dem sich die Ränge übereinander stapeln. Das Programm bietet nicht weniger als einen Überblick über die gesamte Musikgeschichte von der Barockmusik bis zur Gegenwart. Johann Sebastian Bachs „Mache dich, mein Herze, rein“ und „Erbarme dich, mein Gott“ klingen anmutig und bezaubernd, strahlen eine entrückte Harmonie aus. Bei Webern überraschen die Musiker:innen mit unerwarteten, kurzen Soli, etwa der Bläser.
Weil das Gnawa-Duo Asmaa Hamzaoui & Bnat Timbouktou aufgrund von Visa-Problemen nicht anreisen konnte, führt Hilal noch ihr aktuelles Album auf.
Ennio Morricone wirkt dagegen auf den ersten Blick spannungslos, vielleicht, weil es in der Komposition keine starken Kontraste gibt. Wie bei einem Soundtrack geht es darum, einer allzu lesbaren Melodie eine unerwartete Wendung zu geben, damit sich etwa das Süße ins Bittersüße wendet. Ein eingespieltes Interview von Pier Paolo Pasolini am Anfang und der Chor am Ende erzeugen dann doch eine unerwartete Wendung, die das Spektrum auf unerwartete Weise sprengt. Dieser Harmlosigkeit setzt Sarah Davachi mit Chanters, einer Premiere, eine Destruktion der Orchestermusik entgegen, die mit den langen, stehenden Klängen ins Formlose geht, die den Instrumentalist:innen sichtbar Anstrengung abtrotzt, weil jeglicher Austausch, jegliche Form von Dynamik untersagt ist.
Am nächsten Tag wartet eine weitere, aufsehenerregende Premiere auf die Biennale-Musica-Gäste. Für „In the threshold of your love“ haben sich Sängerin Alif Hilal (früher Lyra Pramuk) mit dem Percussionisten Mohammad Reza Mortazavi und dem Flötisten und Tänzer Islam El-Ghazouly zusammengetan. Mortazavis pausenloser Tombak- und Daf-Marathon fasst den Gesang und die elektronischen Klänge Hilals ein, im Befreiungsversuch entsteht eine dialogische Spannung, die ihre Musik nicht kennt, wenn sie von den eigenen Electronics begleitet wird. Islam El-Ghazouly spielt eingangs die Flöte, später führt er einen Tanz auf, bei dem er sich in einem wunderschönen Gewand blitzschnell im Kreis dreht, was die Trunkenheit der Musik spiegelt. Weil das Gnawa-Duo Asmaa Hamzaoui & Bnat Timbouktou aufgrund von Visa-Problemen nicht anreisen konnte, führt Hilal noch ihr aktuelles Album auf.
Hymnal arbeitet mit kurzen Vocal-Figuren und -Aufnahmen, die an Meredith Monk oder Laurie Anderson erinnern, die hier im Live-Zusammenhang ganzheitlicher und organischer klingen als auf Platte. Das nächste Konzert findet an keinem anderen Ort als im Markusdom statt, dessen ebenso gewaltige wie verwinkelte byzantinische Architektur ein einmaliges Setting für ein Konzert ist.
Die vielleicht 40 Besucher:innen müssen sämtliche Besitztümer abgeben, Handy und Portemonnaie werden in einer Klarsichtfolie verpackt.
Hier geben die Tallis Scholars Chorstücke von Hildegard von Bingen, Gregorio Allegri und Arvo Pärt, ergänzt von der Premiere einer Komposition von Kara-Lis Coverdale. Die einstimmigen von-Bingen-Kompositionen wie „O virtus sapientiae“ oder „O ignis Spiritus paracliti“ tönen in den Dom und klingen mit ihren melodischen Sprüngen fast wie eine Improvisation. Pärt wirkt im Gegensatz dazu methodisch und streng, etwa, wenn bei seinem bekannten „… Which Was The Son …“ die Phrase beschwörend wiederholt wird.
Höhepunkt des Konzertes ist Gregorio Allegris „Miserere mei, Deus“, bei dem die Sänger:innen im linken Flügel des griechischen Kreuzes der Kirche stehen, damit ihre Stimmen zum etwa 50 Meter entfernten Publikum hinübertönen. Den Umstand, dass die Stimmen im Markusdom über mehrere Sekunden verhallen, hat sich auch schon Barockkomponist Claudio Monteverdi zunutze gemacht. Kara-Lis Coverdales neues Werk „Lorica“ fügt sich auf harmonischere Weise in das Konzertprogramm ein als Sarah Davachi. Mit ihren glasklaren, nüchternen Melodien erinnert sie an die Minimal Music von Michael Nyman oder Philip Glass.
Einen ungewöhnlichen Schlusspunkt setzt die Biennale an einem Ort, den man im magischen Venedig nicht erwartet: einem Frauengefängnis. Abgelegen auf der Giudecca leben dort mehr als hundert Frauen, zum Teil mit kleinen Kindern, die in Zusammenarbeit mit der Biennale ein Konzert erarbeitet haben. Die vielleicht 40 Besucher:innen müssen sämtliche Besitztümer abgeben, Handy und Portemonnaie werden in einer Klarsichtfolie verpackt. Wir warten im Hof eines ehemaligen Klosters, das schon im Mittelalter existiert hat, eine Soundanlage ist aufgebaut. Ein elektronischer Loop mäandert durch den Hof, eine vielleicht 60-jährige Frau spricht immer wieder „libertà“, Freiheit, was im alten Gemäuer verhallt, aber doch stark und bestimmt wirkt und eine auf der Biennale Musica bisher selten erlebte Dringlichkeit und existenzielle Aussagekraft erzeugt.
Von den Fenstern im ersten Stock schauen Gefangene zu, die nicht herunterkommen dürfen. Uniformierte – die ebenfalls alle weiblich sind – führen eine Gruppe von Frauen, denen dieses Privileg zuteilwird, zu Bänken, auf denen sie Platz nehmen dürfen. Das Konzert beginnt: Viele junge, über eine Ausschreibung ausgewählte Musiker:innen machen an den Geräten auf den Tischen stilsichere elektronische Sounds mit und ohne Groove. Jeweils eine Gefangene kommt dazu und spricht oder singt Text, mal songhaft, mal wie eine Ansprache, mal als Rap. Das wirkt immer sehr persönlich und berührend; am Höhepunkt singt eine aus der Musiker:innengruppe eine Art Call-and-Response-Duett mit einer Inhaftierten.
Die Gefängnisdirektorin, eine elegante Frau mittleren Alters, steht bei den Gefangenen und scherzt mit ihnen – was ein unerwartet positives und menschliches Bild abgibt. Nach dem Konzert wird noch ein italienischer Schlager gespielt, die Gefangenen tanzen mit ihrer Direktorin, was in einem Männergefängnis wohl kaum vorstellbar wäre. Dann müssen wir das Gefängnis wieder verlassen, die strengen Aufseherinnen in makellosen blauen Uniformen führen uns heraus und händigen uns unsere Wertsachen aus.
In Wassertaxis fahren wir zurück auf die Hauptinsel, bewegt von einem Festival, mit dem Barbieri den elektronischen Kosmos gesprengt, elektronische und klassische Musik versöhnt und zwischen ambitioniertem Kunstanspruch und sozialem Phänomen vermittelt hat. Insofern erweist sich ihr Thema „A Child of Sound“ als Erfolgsmodell, denn tatsächlich können sich Kinderohren nicht täuschen.
